CLASE 1 - 2 - 3

CLASE 1 - 10/04

En la primera clase, hubo una exposición general de cómo se desarrollaría la materia a lo largo del cuatrimestre. Valansi habló sobre la importancia de aprender el lenguaje de la fotografía sin dejar de tomar como importante el aspecto técnico, pero no verlo como lo único importante a la hora de aprender a sacar una foto. 

LA ESCUELA DE LA MIRADA. Aprender a mirar, a encuadrar, a transmitir perspectiva, un punto de vista. Entender la fotografía implica un proceso en el cual podemos abarcar instrucciones de cómo mirar a lo que fotografiamos.

EXPERIENCIA 1. HERBARIA

Al germinar algo y verlo crecer, se pretende del ejer cicio tener un registro fotográfico de este proceso. Prestar atención a los cambios y aprender a mirar a ese plantín. Hablamos entonces de una experiencia doblemente simbólica, ya que la idea es poder demostrar nuestro crecimiento dentro de nuestro entrenamiento de la mirada y la técnica para poder fotografiar el crecimiento del plantín.

TRABAJO PRÁCTICO 1

EXPERIENCIA 1: LA COSA

El objetivo es retratar un objeto

¿Cómo?

- Pensar en la intención que le ponemos a ese objeto al ser observado

- Componer la imagen que queremos llevar a cabo

- Reflexionar sobre lo que nos dice ese objeto y hacia que espacios sensoriales nos conduce

¿Qué objeto?

Elegimos un objeto que cae dentro de algún tipo de denominación, vease: objeto de estudio, objeto de deseo, objeto absurdo. 

Es decir, encontramos un tono con el cual retratarlo y prestar atención al clima que se genera alrededor de él. Pensamos en las convenciones que nos remiten a esa asociación.

¿Qué es una imágen SUPERLATIVA?

Una imagen que nos deja con una pregunta, con una reflexión, algo que nos inquieta.

Podemos aliar esto al concepto de punctum que plantea Barthes en su libro "La cámara lúcida"

CLASE 2 - 17/04

Disparador: "Las babas del diablo", libro de Julio Cortázar.

El acto estético no puede ser separado de sus consecuencias éticas.

"Levanté la cámara, fingí estudiar un enfoque que no los incluía, y me quedé al acecho, seguro de que atraparía por fin el gesto revelador, la expresión que todo lo resume, la vida que el movimiento acompasa pero que una imagen rígida destruye al seccionar el tiempo, si no elegimos la imperceptible fracción esencial. No tuve que esperar mucho." 

"Curioso que la escena (la nada, casi: dos que están ahí, desigualmente jóvenes) tuviera como un aura inquietante. Pensé que eso lo ponía yo, y que mi foto, si la sacaba, restituiría las cosas a su tonta verdad."

Vimos frames de “Blow Up” de Michelangelo Antonioni, película basada en este cuento.

Pensamos: ¿qué es el aura? Todo objeto, sujeto, cosa tiene un aura y es aquello que emana de su cuerpo, que resplandece. Es invisible, pero debemos aprender a materializarla por el lenguaje fotográfico. Intentar reconstruir esa energía, vibra.

LOS OBJETOS NO SON LO QUE A SIMPLE VISTA PARECEN O VEMOS

"El objeto revela elementos que a simple vista no vemos cuando lo encuadramos, iluminamos o ponemos de cierta forma."

Comenzamos a intentar comprender "La luz invertida". Cómo la luz moldea nuestra visión de un objeto y afecta nuestra percepción de él. ¿Cómo manejamos el lenguaje de la luz?

CLASE 3 - 24/04

LA LUZ INVERTIDA

La Cámara Leica como invención e hito en la nueva idea de portabilidad de una cámara. 

Es una cámara con película de 35mm de cine analógico. Cuando se comienza a

comercializar al público general en los años 30 vemos su impulso en una nueva forma de mirar la vida, una nueva filosofía. Hablamos de un MODERNISMO EXTREMO. Se quería fotografiar el progreso a través de la observación de la industria, registrando a las máquinas.

Esta NUEVA OBJETIVIDAD se comienza a oponer a las corrientes pictorialistas que evocaban a la pintura y su forma de retratar la realidad. 

Hay una nueva postura o posibilidad frente a cómo ver el mundo: "Acá no hay poesía solo realidad" 

“ya no se puede concebir la vida moderna sin

la fotografía”

Analizamos la fotografía de Albert Renger-Patzsch.

Para él y muchos autores de la corriente de la "Nueva Objetividad", el fotógrafo era un técnico y la fotografia era conclusión de una tecnología. La búsqueda de la belleza formal aparece para mostrar esta industrialidad, iluminando el fondo para desnudar al objeto. Casi como si fuera muchas veces una foto forense. Aquí desarrollamos la diferencia entre luces blandas o duras y el uso del flash en esta corriente. Renger-Patzsch creía en el poder de representar la esencia del objeto y su textura real.

Surge la discusión entre su obra y el autor Walter Benjamin, el cuál era crítico del "arte por el arte" de Renger-Patzsch. El comentaba que para que la obra del fotógrafo funcione, debía transfigurar la realidad de las fábricas industriales para simplemente catalogarla como bella. Esto obvia la precarización y mala situación de los trabajadores de esas plantas industriales en aquel momento. Para Benjamin, en esa neutralidad de las fotos, se esconde una traición a la intención de usar la fotografía como un medio para revelar las dinámicas de poder y mostrar la realidad que subyace a nuestra sociedad.

Visualizamos también parte de la obra de KARL BLOSSFELDT, quien fotografíaba vegetales retratándolos a través de la utilización de un encuadre muy cercano a ellos y el moldeo desde la iluminación. Con la manipulación de la sombra y de lo que se ilumina y lo que no, Blossfeldt quería emular la realidad de la planta y poder capturarla. El no se consideraba fotógrafo y trabajaba desde la concepción del registro y se centraba en la estructura y forma de las plantas. Inconscientemente mediante su necesidad de retratar los vegetales tan nítidamente y de tan cerca, desarrolló un estilo particular: fondos neutros, luces naturales difusas que resaltan la textura y los relieves de las plantas y una nitidez enorme. 

También hablamos acerca de la ESCUELA BAUHAUS, una escuela de diseño sumamente importante de Alemania, que asentó muchos de los principios para las distintas ramificaciones del campo. 

A traves del desarrollo de la fotografía de producto, aliada al desarrollo del diseño industrial, se propulsa la conversión del objeto en algo que no es más objeto (es producto). Por tanto, se fotografía con esa misma intención, enfocar ciertas características o resaltar ciertos usos. Obras como la de László Moholy-Nagy, que sugiere algo mas aurático y experimental; 

Para adentrarse en el triangulo de exposición, primero visualizamos fotos de Hiroshi Sukimoto. Su obra alude a la fotografía de la luz y su huella. ¿Qué sucede cuando el objeto es solo la luz? 

101 de Técnica Fotográfica 

La santísima Trinidad de la Exposición 

ISO

Sensibilidad 

Permite formar la imagen con determinada cantidad de luz

Cuánto más sensibilidad más capacidad de generar detalle con menos luz. Aunque el precio que se paga es la posible aparición de ruido.

(S) VELOCIDAD DE OBTURACIÓN 

Movimiento que capta la cámara 

Es el tiempo que el mecanismo de obturación permanece abierto hacia la luz

Tiene escala en pasos enteros 

(F) APERTURA DE DIAFRAGMA 

Se regula la entrada de luz al abrir y cerrar el diaf.

Esto afecta la profundidad de campo 

Todos los lentes tienen anillo de diagrama 

Cuánto más pequeño el diaf la relación con figura fondo es más nítida 

Exposición (e) = intensidad (i) x tiempo (t)

Muchas apertura + poca velocidad 

=

mucha velocidad + poca apertura 

= 

velocidad intermedia + apertura intermedia

Para saber si logramos "una buena exposición" podemos seguir los siguientes parámetros:

- No hay nada demasiado saturado

- Los blancos no saturan

- Los negros no sé empastan

- Ningún valor pierde demasiado detalle

Por supuesto esto siempre está atado a la intención que nosotros queramos darle a la foto.

Formas de "setear" el archivo

(NET) RAW: Captura la imagen con mayor cantidad de datos

TIFF: Tiene la misma información, pero es más incómodo para manipular en edición 

JPG: Más comprimido, pero con menos detalle